王建民作品

刘润林作品

刘硕海作品

崔茂元作品

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崔茂元作品

    中国网·滨海高新讯 据说，天津滨海新区汉沽摄影界是兄弟艺术门类界人多势众、最有成绩、最活跃的一拨。想想也是，这么多人喜欢，这么多人来凑热闹，这么多人在谈论着像素、影调、卡口、L头、PS……真的，这么多的人在发烧中，好像摄影艺术正逢繁花盛开之时。然而，这里太热了，我却担忧繁花背后是荒芜，觉得摄影要在过热中冷静下来，快点儿。

　　艺术进步的动力之一在于批评，真正的艺术呼唤真刀真枪的批评，期待有理有据的责问，渴望善意真诚的鞭辟。那么，就开始——

　　1、拍照片与搞摄影艺术是两回事。从照相术的发明，迄今已有100多年的历史，这段历史中始终有两条发展线路延续着。一是照相术的本意，把人和物照清楚，照得跟真的一样，让人看到图片即刻联想到那一瞬间的真实情景；二是照相术的引申意，用照相术为工具，附加上去和艺术有关的一些符号，如畸变、构成、节奏、韵律等，让人从图片中联想开来，通过表层的符号进入深层语意，有所思考、有所启悟、有所体验。前者跟艺术没有直接关系，后者则是艺术的基本审美特征。按照这样一个公式往下推演，可以得出：照片艺术与否的标准，取决于接受者（观赏人）是否享受到了艺术洗礼，有感觉，才叫艺术，反之，就是伪艺术，甚至比老老实实说自己不是艺术作品的“立此存照”还垃圾、还可笑。

　　汉沽摄影有着较长的创作历史，特别是在崔茂元先生的鼓舞引动之下，参展、获奖的人真不少。但是，这并不意味着从群体上看我们已经达到了一个较高的水准。要让别人认可群体的高水准起码有三条：一是创作风格各异而整个审美倾向相对呈现主流脉胳并趋向成熟；二是创作群体对地域性题材的深刻领悟并有一定量的创新性作品；三是相对稳定的艺术沙龙性活动，不断深入的理性讨论和个性作品交流。在这三个基本方面我们都还很欠缺，所以冷静下来说，茂元先生还只是一个人在战斗，我们的整体火力还不够强。经过一番自检之后，我们会胆怯地从艺术摄影的高谈阔论中撤出来，还是要偷着对自己说，我不是在搞艺术，就是在拍照片，好坏无所谓，看着玩儿呗。这有多好。

　　2、设备、技术和艺术属于三个不同的层次。我有一种特别自信的直觉，只要有影友到一起，第一句话就问你：“哎老弟，你用啥机子？”，此兄便可直接被定位为低层次。这直觉很准的。

　　我因工作关系，接触到影像专业。我请崔茂元、王建民及省市电视台专业人士搞讲座培训，每次授课前，我都请求他们一定要讲一下设备、技术、艺术三者之间的关系，引导大家把更多的注意力投入到技术进而艺术的追求上。我这样认为：设备是工具，技术是手段，技术通过对设备的掌控和运用而相得益彰，技术可以挖掘设备的潜能，可以最终实现艺术的追求。艺术修养、艺术格调、艺术品质远比技术和设备更重要、更关键，永远是摄影（包括其它影像艺术）不懈追求的终极目标，热衷于设备的不断更新、满足于技术的操作应用，说是搞艺术的，最多也只是个机械师、操作工。

　　摄影从开头进入艺术门类的时候就伴随着工艺性、机械性、操作性特征，这与书法、绘画、文学、戏剧都不相同。玩摄影与玩成人玩具有些类似，有相当一部分人是冲着照相机好玩而搞起摄影的，这里面充满了机械性、操控性的趣味。特别是随着数码技术的发展，复杂的成像过程变得简单化、固定化、程序化，你不需了解原理，不需明白过程，只要手指轻按，“咔嚓”一下，搞定。照相的门槛太低了。但是，这一切跟艺术还是没啥关系，科学技术是不可能替代艺术创作的。照相的门槛低了，而艺术的门槛并没有低，反之，在这时，越发需要用艺术的尺子衡量作品，用个性的标准审度创作。

　　3、摄影圈里的审美准则很混乱。这里需要着重申明，任何艺术不可能用一个审美标准去衡量，恰恰相反，审美是动态的、是多向的、是繁复的，这里所说的与摄影圈的审美混乱是两回事。摄影存在着胶片与数码混杂、纪实与风光同伍、电脑合成与客观实景不分、黑白与彩色同台的情形，这并不妨碍我们对艺术的审美标准来考量作品，问题在于我们却用比赛的方式把这些不一样来源、不一样背景、不一样构成、不一样形态的东西放在一起PK，把原本风马牛不相及的东西硬拉到一起比拼，这是对艺术的轻视、是对艺术的唾弃。这也难怪摄影界会不断出现“假虎案”、“桑玉柱案”，这样下去，说不定会有几位“大师”的东西被PS后，新的拼凑品会重获金像大奖，漓江之水或入松花、苗寨之女可秀傲包者乎？难道这不是摄影审美准则的混乱与迷茫、不是摄影对艺术的败坏吗？

　　摄影上的种种乱象是现代浮躁生活在艺术创作中的体现。搞艺术的必须经受苦闷的心理历程，这才成就了日本学者厨川白村的《苦闷的象征》，艺术必须是生命的体验和人性的刻痕，这才产生了周作人的“为人生的艺术”。而摄影它太容易被“玩”了，太容易“游戏并快乐着”了，人们又太容易忽略把思想装进镜头、把观念带进画面了，所以……

　　4、影像中的偶然与必然的关系。许多摄影人在海量的创作拍摄中，偶遇佳作便欣喜若狂，这种偶然是创作实践的必然结果。还有一种情况在影坛也不少见，那就是瞎猫碰死耗子，就有那么一个瞬间、景象被他抓住了，而且得了奖。一夜之间便自诩为摄影家了，被别人尊称了“大师”了。这种偶然跟他艺术实践的必然没关系，跟“家”和“大师”没有关系。比赛和展览是交流的平台，艺术不是杂技、更不是竞技体育，不可能用一把尺子或几个人的好恶来判定优劣，所以比赛和展览的结果其实并不重要，别忒当回事，拿获奖证书来证实自己艺术家的身份是愚昧的。多少艺术大家生前无人喝彩，多少名噪一时的“垂世之作”已无人记起。艺术永远无情地剥离一切附加上去的色彩，还审美的纯粹。

　　摄影艺术最珍贵的是瞬间，纪实作品当然好理解，即使是风光作品也要表现天地云峰、江河日月的凝固时空，没有动人心魄的瞬间，就没有震撼力、没有解析力。艺术是要通过独特语汇形式来表达创作者心灵的，这种表达的媒介是艺术符号，接受者在阅读符号中产生联想。所以符号要打动人，必须带有公共性，这样大多数人才能读懂；符号还要个性化，这样阅读者才知道是你而不是别人在叙述，达·芬奇和毕加索会画出各自不同的向日葵。同理，在摄影界竟然会出现同样云彩、同样山峰，还美其名曰“共同创作”，这是否离艺术也太远了。

　　瞬间是必然中的偶然，摄影家镜头下的佳作却是偶然中的必然。但愿搞这玩艺儿的人们都以无数个偶然来证实自己的必然。

　　5、还是要有点想法。古人讲到绘画的时候，往往以“质”和“势”加以评说。质是细节、是具象，势是构成、是大形态，两者之间既可兼得，也可有所侧重。质与势的结合会产生影像中两个不同的“意味”，正像某文艺理论家提出的，艺术是有意味的形式。意味之一是由“质”产生的，是细节的质感，是银盐效果的展开和色彩的变幻；意味之二是由“势”产生的，是空间的构成，是影调、形式和层次的比照。

　　说搞摄影要有点想法，就是要在意味追求上有想法，这想法并不一定是经天纬地的大思维，不一定是悲天悯人的大情感，更可贵的是瞬间感受，是对自然物象的理解和认知，把这种个性化的情绪装上镜头，表现于画面，这就叫有想法。这想法说上去容易，获得它是很难的。首先有想法必须有感受，不跋山涉水、不亲临其境，无真感受可言；有想法必须有点文化，有对事物的深入理解和情感认知，不了解、不感动、不陶醉，就不能让欣赏者读懂你，正所谓以其昏昏安能使人昭昭。

　　摄影与那些与人类社会共生并进的艺术门类相比，显得那样年轻，那样幼稚，中国摄影与发源地的艺术水准相比也显得弱小而青涩。然而，我们不必自卑，因为我们文化背景中有五千年无比璀璨的伟大光芒，有令世人敬畏的审美主流和艺术能量，这是我们借用摄影艺术手段表现自家情怀的不竭源流，是我们重构中国摄影个性审美体系的根基。摄影期待着冷静，期待着回归，期待着摆脱纷争与喧闹，摆脱盲从与无序，摆脱无知与偏颇。

　　让我们共同期待着。（刘振生）

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